Michael Dangl
 Rampenflucht
 Ein Nachspiel 

"Ein einzigartiges, ein schockierendes Buch, das leidenschaftlich brennend Max Reinhardts Maxime folgt: ‚Nicht Verstellung ist die Aufgabe des Schauspielers, sondern Enthüllung‘.“  Barbara Rett, Kulturjournalistin

"In seiner Analyse schonungslos, in seiner Attacke hemmungslos, eine Freude!" - Peter Turrini

"Noch nie habe ich Treffenderes, Interessanteres, Spannenderes und auch Witzigeres über das Theater, über den Schauspielerberuf gelesen.“ - Felix Mitterer, Dramatiker und Schauspieler

"Wer so schreibt wie Michael Dangl, so verletzt und verletzlich und verletzend, so schonungslos und sehnsüchtig, so atemberaubend radikal und wahnwitzig offenherzig, der ist entweder dem Theater längst entkommen. Oder ihm hoffnungslos und auf immer verfallen." - Andrea Schurian, Der Standard, 4. Januar 2011

„NOCH NIE HAT JEMAND SO HEMMUNGSLOS HINTER DIE KULISSEN GELEUCHTET, ABER MICHAEL DANGL GELINGT DAS KUNSTSTÜCK; DASS ES ZUGLEICH ALS HASS- UND ALS LIEBESERKLÄRUNG AN DAS THEATER RÜBERKOMMT.“   Die Bühne, 6/2011

"Selten wurde so zornmütig und zugleich so sprachmächtig über die Unarten des Theaterbetriebs hergezogen, über verlogene Proben- und sinnentleerte Vorstellungsrituale." - Oliver vom Hove, Die Furche, 4. November 2010

"Ein beeindruckend sicheres und überzeugendes Debüt, ein starker und eindringlicher Text." - Roland Freisitzer, www.sandammeer.at 

"Hammerhart - und deswegen großartig!" - Dominique Horwitz, deutscher Schauspieler und Sänger

"Michael Dangl schafft es, die verborgenen Wahrheiten unseres Berufes, die Gedanken, die wir in unseren Tag- und Nachtträumen sogar zu begraben versuchen, glasklar zu durchleuchten. Seine Liebe für den Beruf immer im Duett mit dem lauernden Abscheu und der ewigen Seinsfrage. Es tut weh, und es ist gleichzeitig ein Elixier." - Sona MacDonald, Schauspielerin und Sängerin

"Schön und lebendig, witzig und packend geschrieben. Ich liebe das Buch, die Lektüre ist ein großes Vergnügen. Toller, direkter Ton, genial!" - Klaus Pohl, Dramatiker und Regisseur

„Harte Kost für einen Schauspieler!“ Peter Simonischek, Schauspieler

„Was für ein wunderbarer Text!“ GIDON KREMER, Violonist

Michael Dangl

 "Wiener Zeitung":  Herr Dangl, Ihr erstes Prosawerk, "Rampenflucht", wirft einen ziemlich desillusionierenden Blick hinter die Theaterkulissen. Hätte ich jemals mit dem Gedanken gespielt, Schauspielerin zu werden, hätte ich spätestens nach der Lektüre dieses Buches die Finger davon gelassen. Warum haben Sie es geschrieben? 

Michael Dangl: Das kam so: Ich habe in den Kammerspielen die Figur des Stefan Kowalsky im Stück "Butterbrot" von Gabriel Barylli gespielt. Dieser Kowalsky ist ein Schauspieler, der ebenfalls schreibt und in seinem Berufsleben an einem Punkt angelangt ist, wo er genug vom Theater hat. In der verzweifelten und aggressiven Stimmung des Kowalsky war damals auch ich als Darsteller der Figur.

 Und aus dieser Gefühlslage heraus haben Sie begonnen zu schreiben? 

Ja, zumal das Stück so beginnt: Kowalsky sitzt schon bei Einlass des Publikums auf der Bühne und schreibt. Da es im Theater oft am besten ist, das wirklich zu tun, was man spielt, habe ich tatsächlich geschrieben. Die ersten Sätze des Buches habe ich auf der Bühne geschrieben. Später wurde das Schreiben zu einer nicht mehr zu bremsenden Flut, bis alles niedergeschrieben war. Bei jeder der Endproben und bei allen Aufführungen von "Butterbrot" habe ich rund zehn Minuten auf der Bühne geschrieben, und als ich dann nach Hause kam, konnte ich nichts anderes tun als weiterzuschreiben. In fünf Wochen war das Werk zum Großteil fertig.

 "Rampenflucht" thematisiert die Diskrepanz zwischen dem Traum, den ein Mensch vom Theater hat, und der ernüchternden Realität der Theaterwelt. Mit welchen Hoffnungen haben Sie selbst diesen Beruf ergriffen? 

Theaterspielen war für mich das Natürlichste auf der Welt. Ich habe, seit ich mich erinnern kann, Theater gespielt. Ich bin ja mit dem Theater meiner Eltern aufgewachsen.

 Was war das für eine Theatergruppe? 

Die "Karawane Salzburg", die es übrigens immer noch gibt. Eine Wanderbühne, die zu der Zeit, als ich ein Kind war, im Salzburger Raum herumgereist ist. Wir spielten auf Marktplätzen, in Schulen, Klöstern, Kirchen und Burgruinen. Mit vier Jahren bin ich zum ersten Mal auf der Bühne gestanden.

 Sie sind bekannt für Ihre Wandlungsfähigkeit, Ihre Vielseitigkeit. 

Vielseitigkeit ist natürlich ein Segen. Es ist ein Glück, gänzlich verschiedene Rollen spielen zu dürfen. Das ist schließlich auch das Wesen dieses Berufes, dass ich heute diese Figur spiele und morgen eine völlig andere.

 Was mich auf das in der Theaterszene oft diskutierte Thema der Wahrhaftigkeit bringt. Wie ist es möglich, verschiedene Charaktere mit voller innerer Überzeugungskraft zu verkörpern? 

Als großes Paradoxon wahrscheinlich. Einerseits gibt es den Anspruch auf Wahrhaftigkeit, auf glaubhafte innere Überzeugungskraft, andererseits aber auch das Bewusstsein, an diesem Anspruch letztlich scheitern zu müssen.

 Von Ulrich Wildgruber gibt es den berühmten Ausspruch: "Ich habe auf der Bühne nicht einen einzigen wahrhaftigen Satz gesagt". 

Ja, aber das kann nichts am Wollen, am Streben, am Ringen um Wahrhaftigkeit ändern. Ich denke, wir haben es hier mit zwei Extremen zu tun: mit der Ernsthaftigkeit und mit dem Spiel. Ernsthaftigkeit, die hinter jeder Rollenbeschäftigung stehen muss – egal, ob es um eine tragische Figur geht oder eine komödiantische. Und diese Ernsthaftigkeit ist eingebunden in ein großes Spiel.

 Was die Verwobenheit von Leben und Theater betrifft: Inwiefern wirkt sich die Identifizierung mit einer Rolle auf die eigene Identität aus? Schleichen sich mitunter bestimmte Charakterzüge einer Bühnenfigur in die eigene Persönlichkeit ein? 

Ich denke, wir müssen immer den Spagat schaffen zwischen einer vollkommenen Auslieferung an diesen Beruf und einer letzten Kontrolle darüber. In meinem Buch steht der Satz: "Das Land der Griechen mit der Seele suchend – wenn du das jeden Abend machst, dann wirst du verrückt werden". Wir müssen uns gewahr sein, dass wir gleichzeitig empfinden und darstellen. Du kannst auf der Bühne drei Tode gestorben sein oder mit Inbrunst das Liebesleid einer Figur erfahren haben und nach der Vorstellung völlig gerädert sein – trotzdem jedoch kann deine Bühnenwirkung blass gewesen sein. Das ist furchtbar, aber das gibt es.

 Kann man die Intensität der eigenen Bühnenpräsenz im Moment des Spielens abschätzen? 

Der eigene Eindruck auf der Bühne ist nicht der beste. Das ist meine Erfahrung. Dabei kann man sich sehr täuschen.

 Bis zu welchem Grad vergisst man auf der Bühne die eigene Befindlichkeit, all jene Dinge, die einem im Normalfall durch den Kopf gehen? 

Ich war vor kurzem beim Zahnarzt und hatte eine Wurzelbehandlung. Gott sei Dank bekommt man heute ja Spritzen. Aber selbst mit Lokalbetäubung bilde ich mir ein, manchmal zu spüren, was das für ein Schmerz sein könnte, wenn die Spritze nicht da wäre. Und so ähnlich geht es mir auf der Bühne mit dem Leben. Für mich muss es vor der Vorstellung unbedingt eine Phase geben, in der ich mich auf die Vorstellung vorbereite.

 Wie darf man sich diese Vorbereitungsphase vorstellen? 

Früher habe ich oft Musik gehört, die für mich mit der Rolle zu tun gehabt hat. Heute brauche ich meistens Ruhe und Schweigen, um mich in die Welt der jeweiligen Figur zu versetzen. Und dann ist es tatsächlich so, dass ich für die Dauer eines Stückes in dieser Welt bin. Da gibt es nichts anderes, ausschließlich die Konzentration darauf. Das ist ein Zustand, den ich sehr liebe. Es ist eine Insel für mich, für diese Zeit in einer ganz speziellen Welt zu sein, in der man dann aber auch wieder nichts anderes tut, als die Widersprüchlichkeit oder Schönheit der Welt darzustellen.

 Wie wirkt sich die persönliche Tagesverfassung auf das Spiel aus? 

Natürlich bringe ich am Abend meine eigene Befindlichkeit mit. Dagegen kann ich nichts tun. Aber ich kann versuchen, mich wie ein Instrument auf die Vorstellung einzustimmen.

 Wie lange brauchen Sie nach einer Vorstellung, um aus der Rolle zu schlüpfen und wieder in die reale Welt einzutauchen? 

Wenn man das Gefühl hat, es ist gut gegangen, dann ist man angenehm erschöpft. Aber das Adrenalin arbeitet in der Brust und im Kopf noch gut ein bis zwei Stunden weiter. Danach ist es meistens ohnedies schon sehr spät und man geht schlafen.

 In diesem Zusammenhang erinnere ich mich an ein Gespräch mit Elfriede Ott. Sie meinte, dass es niemand Einsameren gäbe, als einen Schauspieler, der am Abend ins Theater geht, seine Rolle spielt in einem vollen Haus mit jubelnden Leuten – und dann mutterseelenallein nach Hause gehen muss. Kennen Sie dieses Gefühl? 

Sehr! Die Ott hat völlig Recht. Weil es auch ein Widerspruch zu dieser Menge ist, vor der du stehst, aber von der du letztlich nichts hast. Andererseits: Was wäre die Alternative? Soll ich mit den 700 Zuschauern später im Gasthaus zusammensitzen? Das wäre albern. Aber seit kurzem gibt es im Theater in der Josefstadt eine Kantine, die Direktor Föttinger – neben anderen Neuerungen – dankenswerterweise eingerichtet hat. Dort sitzen wir Schauspieler jetzt manchmal nach der Vorstellung zusammen. Das ist ein bisschen wie eine Zwischenwelt. Man kommt mit den Kollegen, mit denen man gerade gespielt hat, aus der Welt der Vorstellung und trifft zugleich auf andere Menschen. Das ist ein schöner Zwischenbereich, bildlich gesprochen wie ein Wattenmeer. Man steigt aus den Fluten und ehe man wieder am Trockenen dahintrabt, kann man noch ein bisschen abtropfen.

 Auch die größten Theatererfolge, die man gerade auf der Bühne erlebt, sind im Grunde im nächsten Moment verpufft. Hat beim Schreiben Ihres Buches mitunter auch der Wunsch mitgespielt, etwas Bleibendes zu schaffen? 

Unbewusst hat das sicher mitgespielt, wobei ich im Prozess des Schreibens nie an eine Veröffentlichung gedacht habe.

 Wie haben Ihre Kolleginnen und Kollegen auf Ihr Buch reagiert? 

Das hat mich am meisten gefreut. Ursprünglich dachte ich, dass ich mehr Kritik bekommen würde, dass Kollegen sagen würden: Wie kannst du so mit unserem Beruf umgehen? Aber das Gegenteil war der Fall. Ich bekomme tolle Reaktionen. Und je älter die Kollegen sind, desto inniger kommt der Dank. Das freut mich, da habe ich offenbar etwas gefunden, das einem Großteil des Berufsstandes aus dem Herzen spricht.

 Die Riege der Regisseure kommt meiner Einschätzung nach in Ihrem Buch am schlechtesten weg. Gibt es auch von dieser Seite ein Feedback? 

Weniger, aber ich habe auch weniger Umgang mit Regisseuren als mit Schauspielern. Doch waren die Reaktionen, die kamen, ebenfalls gut, wenngleich etwas nüchterner.

 Bleiben wir noch beim Thema Regie. Sind die Umgangsformen der Regisseure beim Erarbeiten eines Stückes tatsächlich so rigide, wie Sie es in Ihrem Buch beschreiben? Welches Mitspracherecht hat man als Schauspieler? 

Das ist sehr unterschiedlich und kommt ganz auf den Regisseur an. Ich persönlich habe jetzt eine sehr schöne Spielzeit, was die Regie betrifft. Der Fortschritt zu früheren Zeiten besteht darin, dass Schauspieler heute zumindest Vorschläge machen dürfen. Früher hatte ausschließlich der Regisseur das Sagen. Aber letztlich muss es einfach einen Menschen geben, der im Publikumsraum sitzt, die Wirkung des Spiels betrachtet und dann festlegt, wie eine Szene stattfinden soll.

 Demokratie funktioniert am Theater also nicht. 

Nein. Dabei könnte Theater auch eine Schule für das Leben sein, insofern es ein Vergrößerungsglas des Moments ist. Wir nehmen am Theater Situationen unter die Lupe und schauen so genau wie möglich hin: Was steht hinter dieser Situation? Wie deutlich kann man sie noch ausleuchten? Der Probenprozess ist sozusagen ein Zeitverlangsamungsprozess. Wir halten den Film des Stückes bei einem Bildausschnitt an und gehen dann in die Tiefe. Mitunter beschäftigen wir uns tagelang mit einer einzigen Szene.

 Haben Sie eine Erklärung dafür, weshalb eine kleine Gruppe von Musikern ohne einen Dirigent auskommt und hochklassiges Kunstschaffen zustande bringt, dergleichen am Theater aber offensichtlich nicht funktioniert? Weshalb brauchen Schauspieler auch in Ein- oder Zweipersonenstücken immer einen Regisseur? 

Es ist ein Rätsel. Meine Frau, Maria Fedotova, ist Flötistin. Und je länger wir über unsere Berufe reden, desto mehr Unterschiede treten zutage. Oberflächlich betrachtet sind Musik und Schauspielerei einander sehr ähnlich. Es sind reproduzierende Künste, man tritt vor Publikum auf – und dennoch gelten andere Gesetze. Mein Eindruck ist: Theater ist das, wo es anfängt kompliziert zu werden. Im Theater muss man sich über die einfachsten Situationen genauestens unterhalten, weil man nichts dem Zufall überlassen darf, weil es sonst sicher schiefgeht. Man muss alles hinterfragen. Das geht manchmal Nicht-Schauspielern auf die Nerven, weil wir diese penible Hinterfragung von Situationen in unser Privatleben mitnehmen.

 Es scheint, dass Unruhe im Publikum die Schauspieler mehr nervt, als man denkt. 

Auf der Bühne hört man ja alles. Wenn jemand am dritten Rang Schnupfen hat, nehme ich das wahr. Ich glaube, jeder Schauspieler hat Lust, irgendwann das zu machen, was Stefan Kowalsky in meinem Buch macht: Eine Vorstellung abzubrechen, weil man das Husten im Zuschauerraum einfach nicht mehr erträgt. Andererseits spürt man natürlich auch, wenn an einem Abend ganz besonders große Aufmerksam herrscht. Das sind dann wunderbare Momente.

 Der Protagonist Ihres Buches erfährt auf Grund seiner totalen Hingabe für den Schauspielberuf soziale Vereinsamung. Er fühlt sich in seinen Kulissen mehr zu Hause als in seinem Privatleben. Wie schaffen Sie die Balance zwischen Beruf und Privatleben? 

Was ich über Kowalsky schreibe, kenne ich natürlich sehr gut, weil ich selber schon sehr weit in diesen Prozess involviert war. Ich habe mich vollkommen ins Theater eingeigelt.

 Wann war diese Phase? 

Das hat schon in Hamburg begonnen ( 1994 bis 1998, Anm. ) und spannte sich in verstärkter Form über meine ersten fünf, sechs Jahre hier in Wien hin – diese Phase endete also erst etwa im Jahr 2006.

 Was musste geschehen, dass Sie wieder Ihre Balance fanden? 

Ein Weg war, dieses Buch zu schreiben. Der Theaterberuf hat etwas sehr Forderndes. Man muss sich das immer wieder bewusst machen, weil man sonst seiner Umwelt gegenüber unleidlich wird. All dies einmal aufzuschreiben und zu reflektieren, war sicherlich wichtig für mich. Und dann ist der Wirbelwind des Privaten in mein Leben gefahren – und das war natürlich heilsam für alles.

 Ist es von Vorteil, dass Ihre Frau ebenfalls Künstlerin ist? 

Bestimmt. Allein was das Verständnis für unsere Arbeitszeiten betrifft. In unseren Berufen gibt es kaum ein freies Wochenende. Und der Tag einer Vorstellung steht nun einmal im Zeichen der Vorbereitung darauf. Doch aufgrund der Tatsache, dass ich meine Liebe zum Theater mit diesem Buch einer starken Probe ausgesetzt habe, ist mir nun bewusster denn je, was meine Leidenschaft zu diesem Beruf ausmacht, was ich bewahren will; und andererseits: wie viel Schmutz sich drum herum ablagert, wenn man nicht aufpasst.

 Das Wesen des Theaters hat für Sie also keinen Schaden genommen? 

Nein, im Gegenteil! Ich gehe jetzt mit bewusster Freude auf die Bühne und weiß klarer, was ich machen will und was nicht.

 Können Sie die elementare Freude an Ihrem Beruf benennen? 

Ich gehe auf die Bühne und da unten im Publikum sitzen 800 offene Herzen und sagen: Berührt uns! Bringt uns zum Lachen, bringt uns zum Weinen, aber fadisiert uns nicht, verkauft uns nicht für dumm, erzählt uns keine abstrusen Geschichten, die wir nicht glauben, denn wir wissen, wie das Leben ist, wir wollen, dass ihr gescheit und verantwortungsvoll mit uns umgeht. Das ist doch großartig! Da sitzen Erwachsene mit Kinderherzen, Kinderaugen und Kinderseelen, und ich muss meine Brust aufreißen und sie in mein Innerstes schauen lassen. Das sind unglaublich schöne, intime Momente. Das ist ein Funke der Leidenschaft, den ich benennen könnte.

Zur Person

Michael Dangl, geboren 1968, begann mit vier Jahren in der Theatergruppe seiner Eltern, der "Karawane Salzburg". Mit 18 Jahren Engagment ans Salzburger Landestheater, wo er drei Jahre blieb, bevor er nach Deutschland wechselte, zunächst ans Theater Koblenz, später ans Kölner Schauspiel, und von 1994 bis 1998 lebte Dangl in Hamburg und spielte vornehmlich am "Theater im Zimmer".

Seit 1998 ist er Ensemblemitglied am Theater in der Josefstadt in Wien unter den Direktoren Helmuth Lohner, Hans Gratzer und Herbert Föttinger – und spielte seitdem rund 50 Rollen in ca. 3000 Vorstellungen. Von 2000 bis 2009 ist er auch regelmäßig bei den Festspielen Reichenau aufgetreten. Seit 2006 ist er als Sprecher und Gestalter literarisch-musikalischer Programme beim Kammermusikfest Lockenhaus (heuer von 7. bis 17. Juli) im Einsatz. Gemeinsam mit Fritz Muliar erhielt er 2001 den Europäischen Kulturpreis für das Zweipersonenstück "Besuch bei Mr Green".

Zurzeit ist Michael Dangl in folgenden Stücken im Theater in der Josefstadt zu sehen: "Judy – Somewhere over the Rainbow" (mit Ruth Brauer-Kvam), "Eh wurscht" von Franz Wittenbrink und "Einmal noch" von Klaus Pohl. Im Herbst spielt er u.a. in "Drei Schwestern" von Anton Tschechow und "Traumnovelle" von Igor Bauersima nach Arthur Schnitzler.

Im Herbst 2010 ist Michael Dangls erstes Buch erschienen: "Rampenflucht. Ein Nachspiel" (Braumüller Literaturverlag).

Michael Dangl  Seit Jahren ist der Schauspieler eine der absoluten Stützen im Ensemble des Theaters in der Josefstadt, wo er für seine unglaubliche Vielseitigkeit bekannt ist. Genau diese Vielseitigkeit kann Michael Dangl nun auch wieder in den Wiener Kammerspielen unter Beweis stellen. In dem Stück „JUDY-SOMEWHERE OVER THE RAINBOW“ gibt er an der Seite der schlicht großartigen Ruth Brauer-Kvam alle relevanten Männer im Leben der Judy Garland. Dangl macht das mit einer hinreißenden Perfektion, zeichnet jeden einzelnen Charakter minutiös nach. Dangl erweist sich hier zudem als exzellenter Pianist, der alle Garland-Songs ideal begleitet. Und so ganz nebenbei hat der Schauspieler auch noch ein sehr lesenswertes Buch geschrieben: in „Rampenflucht“ (erschienen im Braumüleer-Verlag) huldigt er dem Theater, seinen Protagonisten, der Kunst an sich und betätigt sich als virtuoser Geschichtenerzähler. Michael Dangl hat eben mehr als ein Talent. Kompliment. Peter Jarolin

Die Freizeit verleiht für das aussergewöhnlichste kulturelle Erlebnis jede Woche einen Rosenstrauss von ihren österreichischen Floristen und Wiener Gärtnern

   Wien (OTS) - Rund 4.500 BesucherInnen haben die Veranstaltungen
zum 5. Jahresfest des Mozarthauses Vienna besucht. Die
Veranstaltungen sind eine ganze Woche lang vom 22. bis 30. Jänner
gelaufen. Höhepunkt war das Open House am vergangenen Sonntag. 1.600
Besucherinnen und Besucher stürmten das Museum an diesem "Tag der
offenen Tür", bei dem Kinderaktionen, Spezialführungen und das
Gastspiel des Marionettentheaters Schönbrunn geboten wurden. Der
Abschlussabend mit dem Josefstadt-Schauspieler Michael Dangl und
Maria Fedotova, die ein "Casanova"-Programm boten, stieß ebenfalls
auf begeistertes Publikumsecho. 

Hervorragend besucht waren auch die anderen Programmpunkte während
der Woche. "Besonders erfreulich ist die Tatsache, dass mehr als 900
Schülerinnen und Schüler unsere Angebote wochentags an den
Vormittagen nützten. Es waren alle angebotenen Führungen innerhalb
weniger Tage ausgebucht", zeigt sich Mozarthaus Vienna-Direktor
Gerhard Vitek erfreut. Das Programm reichte von Konzerten mit Paul
Gulda über ein Gesprächskonzert mit Heribert Sasse, Luca Pisaroni,
Tibor Kovac und Madoka Inui zum Thema "Figaro" bis zu einem
Kammermusikabend mit dem Jess Trio-Wien und wurde ergänzt durch
Lesungen, Seniorennachmittage, Mozartkugel-Zubereiten, Präsentationen
der Flötenuhr in der Mozartwohnung und anderes mehr.

Zwtl.: Ausstellung "Mozart und die Frauen" läuft noch bis 1. Mai

Peter Jarolin, „Kurier“ vom 10. 7. 2006:

In Reichenau ist heuer die große Tragödie daheim. Und das wirklich große Welttheater.

Denn mit Stefan Slupetzkys kluger Dramatisierung von Zweigs Romanfragment ist den Festspielen wieder ein echter Coup gelungen. Ein Theaterabend, der unter die Haut geht, der neben fein gezeichneten Psycho-Studien auch sozial- und gesellschaftskritische Dimensionen anzubieten hat. Es führt kein Weg mehr zurück in das erbärmlich biedere Postamt in Klein Reifling nahe bei Krems, wo Postfräulein Christine ihr Leben vergeudet hat. Ein einziges Mal hat auch sie eine andere Welt gesehen. Das Leben der bornierten, oft auch aus Kriegsgewinnlern bestehenden Upper-Class im Luxushotel in den Schweizer Alpen, wo der Champagner in Strömen floss, wo Geld nur bedrucktes Papier war, wo das Mädchen dank ihrer reich verheirateten Tante (köstlich: Sylvia Lukan, brillant: Toni Böhm als kauziger Gatte) als Christiane van Boolen für kurze Zeit glücklich war.

Doch auf den von Zweig und Slupetzky beschworenen „Rausch der Verwandlung“ folgt die Katerstimmung der tristen Zwischenkriegszeit, der sozialen und finanziellen Not. Seinem Schicksal kann man nicht entrinnen. Nicht im Leben und schon gar nicht auf der Bühne, auf der Ausstatter Peter Loidolt mit leicht verschiebbaren Zwischenwänden für stimmige Tableaus sorgt.

Gnadenlos, extrem präzise und in großer atmosphärischer Dichte führt auch Regisseurin Beverly Blankenship (stark die Musik von Peter Kaizar) ihre Heldin ins Verderben. Ihre Helfer sind dabei zwei von Slupetzky eingeführte, so genannte „Schicksalsfiguren“ (gut: Alexander Lhotzky und Hannes Gastinger), die als Erzähler fungieren und auch die dramatischen Weichen stellen.

Ein ideales Ambiente für die grandiose Regina Fritsch, die als Christine alle Facetten dieser lebenshungrigen Frau - Christines letzter Ausweg liegt in Diebstahl oder Selbstmord - sichtbar macht. Ihr Partner im Untergang ist der famose Michael Dangl als arbeitsloser Kriegsheimkehrer Ferdinand. Die Inkarnation eines schuldlos Gescheiterten, ja vielleicht eines künftigen Revolutionärs.

Auch die große Marianne Nentwich, der rührende Sascha Oskar Weis sowie Christoph Zadra, Tamara Metelka (beide stark) und Jürgen Wilke sorgen für ein Theaterfest.

Daniela Strigl, „Der Standard“ vom 11. 7. 2006:

(...) Dass Beverly Blankenships Inszenierung von Stefan Zweigs Rausch der Verwandlung ein anderes Kaliber hat, klärt gleich die erste Szene: Man hört Fliegengesumm, da steht ein Schreibtisch, da amtiert die Postassistentin Christine Hoflehner im Postamt von Klein-Reifling, wo ein Bleistift „eine Woche dauert“ und ein Beamtenleben halt ein Leben, flankiert von zwei geisterhaft unsichtbaren Erzählern oder Schicksalsboten (Alexander Lhotzky, Hannes Gastinger).

Stefan Slupetzky hat den um 1930 entstandenen Roman aus Zweigs Nachlass konzis dramatisiert, die maßvoll ironische Regie entschärft alles Betuliche und Schwärmerische. Wie bei Lulu geht es auch hier ums Geld, um den gesellschaftlichen Aufstieg durch Erfolg am Heiratsmarkt. Christine, die als Gast ihrer reichen Tante im Schweizer Kurhotel die Luft der großen Welt atmen darf, ist nah dran. Als man jedoch ihre Herkunft enttarnt, sinkt ihr Marktwert rapid, das grandiose Alpenpanorama (Bühne: Peter Loidolt) verengt sich wieder zur Amtsstube (...)

Der leichte Tempoverlust im letzten Akt wird durch ein prächtiges Ensemble wettgemacht: Regina Fritsch als das unzufriedene Aschenputtel, Michael Dangl als ihr krimineller Erwecker, außerdem Marianne Nentwich, Sylvia Lukan und Toni Böhm. Man staunt: der als altmodisch verrufene Stefan Zweig liefert das aufregendere Theater.

Lona Chernel, „Wiener Zeitung“ vom 10. 7. 2006

Im Auftrag der Festspiele Reichenau schuf Stefan Slupetzky eine Bühnenfassung von Stefan Zweigs mit Unterbrechungen über mehrere Jahre entstandenem Roman „Rausch der Verwandlung“. Den Titel gab diesem übrigens nicht Zweig selbst, sondern der Herausgeber Knut Beck. Slupetzky fügte zwei Figuren ein, Konrad (Alexander Lhotzky) und Alois (Hannes Gastinger), die – einem griechischen Chor gleich – das Schicksal vertreten, erzählen und kommentieren. So schwankt das Ganze ein wenig zwischen Aischylos und Horváth, wobei letzterer in Beverly Blankenships an sich sehr spannender Inszenierung, besonders im zweiten Teil, unübersehbar grüßen lässt.

Das Ereignis des Abends ist Regina Fritsch, die einen vom ersten Augenblick an in ihren Bann zieht und nicht mehr loslässt. Hervorragend neben ihr Michael Dangl als revoltierender Kriegsgeschädigter. Wunderbar Marianne Nentwich und Jürgen Wilke, Sylvia Lukan, Toni Böhm und Sascha Oskar Weis. Die Bühnenbildlösung von Peter Loidolt signalisiert raffiniert, wie man Menschen den Blick und den Zugang zu dem, was ihnen an Glück zusteht, verbauen kann.

Spannend, erschütternd.

Rezension vom 02.09.2010 (11)

Michael Dangl: "Rampenflucht"

Ein Nachspiel

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Eine Hassliebe

"Meine Damen und Herren, es tut mir leid, dass wir Sie langweilen ... es tut mir leid, dass wir ... dass Sie Ihr dummes Abonnement gerade heute zwingt, hier zu sitzen ... Ich wollte eine Bühne immer nur betreten ... um (Pause, gehaltener Atem des Publikums) ... aber so geht es nicht ... darum werde ich jetzt gehen ... auf Wiedersehen."

Mit diesen Worten, während einer unruhigen Vorstellung an das überraschte Publikum gerichtet, tritt Stefan Kowalsky von der Bühne. Er fährt heim, löst seine Versicherungsverträge, seinen Mietvertrag, seinen Mobiltelefonvertrag und die Mitgliedschaft im Fitnessclub auf. Er zieht sich in sich zurück und schreibt, quasi als vorläufig letzte theaterbezogene Handlung, einen in Auftrag gegebenen Text über das Theater. Einen Text, der Ausdruck seiner persönlichen Hassliebe zum Theater ist.

Davon ausgehend, entwickelt Michael Dangl einen herrlich bissigen, schimpfend parlierenden Monolog, einen Gedankenstrom, dem man gerne bis in die Eingeweide des Theaters, des Theaterlebens folgt.

"Stadtrandlokal, früher Nachmittag, Kowalsky hat auf einmal viel Zeit. Die letzten zwei Monate war er immer schon mindestens zwei Stunden vor Probenbeginn im Theater gewesen, weil er sich für den Othello schwarz schminken wollte. Er hätte dazu einen Maskenbildner haben können, verzichtete aber auf dessen verständnisloses unausgeschlafenes Gesicht und blieb lieber allein. Die extremen Masken hatte sich Kowalsky immer selbst verpasst ... Einmal, er hatte sich zweieinhalb Morgenstunden besonders sorgfältig geschminkt, saß er um zehn allein da. Er hatte das Telefon nicht gehört und so nicht erfahren, dass die Probe schon seit acht abgesagt war, weil der Regisseur krank im Bett lag. Kowalsky saß allein auf der leeren kalten Probebühne, angezogen und angemalt und muskelbepackt als Mohr von Venedig, aß langsam eine Banane, sah sich beim Kauen im Spiegel zu, warf die Schale weg und schminkte sich wieder ab. Seltsames Geschäft, dachte er."

Michael Dangls Stefan Kowalsky ist ein leidenschaftlich dem Theater verfallener Künstler, der aus Enttäuschung über das Rundherum, das Publikum, die Mitschauspieler und die Regisseure das Theater verlässt. Sein Drang nach Perfektion sowie seine akribische Vorbereitung scheinen im Geschäft unerwünscht, ja altmodisch zu sein.

Michael Dangls Prosadebüt lebt vom Wechsel zwischen dem Sein von Stefan Kowalsky und dem von Stefan Kowalsky verfassten Text, der sich fast wie ein Roman im Roman liest und mindestens gefühlte zwei Drittel des "Nachspiels" ausmacht.

Wütend kreisend, variierend und immer wieder abschweifend, bewegt sich Stefan Kowalskys Text vorwärts, berührt die wunden und die heilen Punkte, öffnet dem unwissenden Leser Türen und bestätigt die Wissenden.

"Ich bin nicht eitel", sagt der Schauspieler, "ich kann mein mir zufällig unterkommendes Spiegelbild gar nicht ertragen!" - Ja, aber nicht aus Uneitelkeit, sondern weil es seinem eigenen Bild, das er von sich selbst gemacht hat, und das er, es produzieren wollend, ununterbrochen mit sich herumträgt, nicht gleichkommen kann. Der Schauspieler blickt in einen beiläufig ihm begegnenden Spiegel skeptisch und doch irgendwie hoffnungsvoll, und angewidert schnell wieder weg, Letzteres zu Recht. Doch sein eigenes Bild hat er sich wiederum nicht aus Eitelkeit gemacht, sondern aus einem Gefühl der Leere, der Gesichtslosigkeit. Tatsächlich hat der Schauspieler, der jüngere vor allem, lange Phasen zwischen seinen Rollen, kein Gesicht. Weil er nicht weiß, wie er aussehen soll, sieht er nicht aus. Der ältere hat schon so viele Rollenabdrücke auf seinem Gesicht, dass sie irgendwann selbst wie ein Gesicht aussehen, aber bei näherem Hinsehen sieht man: Es ist gar kein Gesicht, nur viele, viele Momentaufnahmen zusammengenommen, Zehntausende Belichtungen auf einem von Zehntausenden Blitzen wie erschrockenen, zu einem Scheingesicht geronnenen, verhärteten Stück Schädelvorhang ..."

Während Stefan Kowalsky auf eine Lesereise geht, schreibt er in Hotelzimmern weiter an seinem Text, der, immer dichter werdend, das Theater wie eine Zitrone ausquetscht, bis der Protagonist am Ende in Venedig doch noch das Glück seiner Lebensrolle, seines Lebens entdeckt bzw. wiederentdeckt.

Ein beeindruckend sicheres und überzeugendes Debüt, ein starker und eindringlicher Text.

Ein Gespräch mit Michael Dangl gibt es unter folgendem Link
www.sandammeer.at/portraits/dangl.htm

(Erstveröffentlicht auf www.sandammeer.at, Roland Freisitzer; 09/2010)

Radio aktuell

Fortsetzung eines Liebesdialogs

Von Anton Silhan

Die "Hörspiel-Galerie" auf Ö1 bringt Daniel Glattauers Fortsetzung seines Bestsellers "Gut gegen Nordwind" am Samstag als Hörstück.

Der Wiener Journalist Daniel Glattauer hat den Roman "Gut gegen Nordwind" geschrieben und damit rasch Erfolg gehabt. Die per E-Mail geführten Liebesdialoge haben Alt und Jung begeistert. Ein Bestseller war geboren. Auch am Theater wurde die Story zum Erfolgsstück. In Wien an den Kammerspielen, wo Ruth Brauer-Kvam und Alexander Pschill die heillos E-Mail-Verliebten eindrucksvoll darstellten und nun auch in der Fortsetzung darstellen.

Die beiden Protagonisten sind sich im Buch – und auch im Stück natürlich – nicht begegnet. Sie machen ein Jahr E-Mail-Pause. Danach setzt sich die Gechichte in Glattauers jüngstem Buch "Alle sieben Wellen" fort. Ob sie sich kriegen, die beiden, oder wenigstens einmal treffen? Auch die Bearbeitung der Fortsetzung fürs Theater ließ nicht lang auf sich warten. In den Wiener Kammerspielen hatte das Stück kürzlich Premiere. Und ist wieder ein Erfolg. Karten sind nur schwer zu kriegen.

Das verliebte Paar Emmi und Leo

Ein Erfolg im deutschen Sprachraum war "Gut gegen Nordwind" auch in seiner Hörspielfassung. Nun wartet die Fortsetzung der Liebesgeschichte, "Auf sieben Wellen" eben, auf die Radio-
hörer, am Samstag auf Ö1 in der "Hörspiel-Galerie".

Im Hörfunk – übrigens eine Koproduktion von ORF und Nordeutschem Rundfunk (NDR) – spielen Eva Herzig und Michael Dangl das verliebte Paar Emmi und Leo, das scheinbar zueinander nicht kommen konnte.

Sie haben sich also nicht gekriegt. Zumindest nicht im ersten Teil. Leo Leike war für ein Jahr nach Boston gezogen, und Emmi Rothner blieb, vor ihrem Computer sitzend, in Wien. Die Fingernägel waren bald zerbissen, die Taschentücher nassgeweint.

Im deutschen Wochenmagazin "Der Spiegel" war beim Erscheinen von Daniel Glattauers Roman "Gut gegen Nordwind", also des ersten Teils, von einem "... der zauberhaftesten und klügsten Liebesdialoge der Gegenwartsliteratur" zu lesen. Damals war allerdings noch nicht abzusehen, dass der E-Mail-Roman "Gut gegen Nordwind" zum Bestseller wird und in zahlreiche Sprachen übersetzt wird.

Voriges Jahr folgte mit "Alle sieben Wellen" der von vielen heiß ersehnte zweite Teil der virtuellen Liebesgeschichte, die nun in die Hörspielfassung gebracht wurde. Der so jeh beendete Liebesdialog wird wieder aufgenommen und.. . Mehr wird einfach nicht verraten.

In Bearbeitung und Inszenierung von Alice Elstner flöten und streiten sich, wie in der Hörspielfassung des ersten Teils, wieder Eva Herzig als Emmi und Michael Dangl als Leo temporeich und witzig einem bangen Ende entgegen.

Alle sieben Wellen

Von Daniel Glattauer. Bearbeitung,
Regie: Alice Elstner. Mit Eva Herzig und Michael Dangl

Gidon Kremer und die Kremerata Baltica – Weltpremiere im Kronberger Opel-Zoo

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Die Idee wurde Anfang 2010 geboren. Dahinter stand der Wunsch von Gidon Kremer, Klassische Musik für Kinder aufzuführen und gleichsam ein Bekenntnis zu den hier im Taunus, in Kronberg lebenden Menschen abzulegen. Wie sollte die Musik dargeboten werden? Die Musik sollte die Gedanken- und Empfindungswelt der Kinder zum Klingen bringen, und das Ganze sollte erzählend und spielerisch vorgetragen werden – so die Vision. Und es war Gidon Kremer ein Herzensanliegen dieses auch von seiner Stiftung, die nunmehr ihren Sitz von Hamburg nach Kronberg verlegt hatte, mittragen zu lassen. In enger Kooperation zwischen der Gidon Kremer Stiftung, der Kronberg Academy und Julia von Opel wurde das Projekt entwickelt und vorangetrieben. Zudem war es Gidon Kremers Wunsch, auf diese Weise mit seiner Stiftung erstmals an die Öffentlichkeit zu treten.

Klassische Musik eingebunden in eine Märchenhandlung, in der auch viele Tiere und ihre jeweiligen charakteristischen Töne ertönen sollten, repräsentiert durch Auszüge aus verschieden Werken mehrerer Komponisten ( z.B. Paul Hindemith, Camille Saint-Saens,  Johann Sebastina Bach, Nikolai Rimski-Korsakov) – das war der musikalische Kern dieses Konzepts. Gidon Kremers Ensemble – die Kremerata Baltica – war auserkoren, mit einigen Mitgliedern des Ensembles für die musikalische Umsetzung zu sorgen. Schauspieler Michael Dangl sollte den Kindern das Märchen “Die Nachtigall” von Hans Christian Andersen nahe bringen, in dem eine Nachtigall es schafft, dem Kaiser von China Tränen zu entlocken. Bekannte Tierfiguren ( die Nachtigall, Babar der Elefant und Ferdinand der Stier) der Weltliteratur werden musikalisch porträtiert. Das Motto für diese Weltpremiere sollte lauten: “Tierharmonische Konzerte” und die Ensemble-Mitglieder der Kremerata Baltica würden auf diese Weise zu  Tierharmonikern.

Die Kooperation erforderte auch das Einverständnis und das Mitwirken des Kronberger Opel-Zoos, denn hier sollten die insgesamt drei Aufführungen stattfinden. Zoo-Direktor Dr. Thomas Kauffels konnte rasch für ein Mitwirken gewonnen werden. Nach einer Phase der Vorbereitung und konzeptionellen Gestaltung des Programms, die den österreichischen Schauspieler und Sprecher Michael Dangl als Sprecher und Erzähler mit einbezog, war denn  auch der Startschuss für diese einmalige Konzertreihe für Juni terminiert. Die Konzept-Idee und das Programm wurden schließlich auf einer Presse-Konferenz im Mai im Kronberger Opel-Zoo der Öffentlichkeit präsentiert.

Zwei öffentliche Konzerte am 19. und 20 Juni sowie ein spezielles Konzert am Sonntagnachmittag für die Freunde und Förderer der Kronberg Academy sorgten für ein einmaliges Ereignis im Opel-Zoo und damit für Kronberg und die Region insgesamt.

Als Zuhörer des sonntäglichen Konzert bekam ich einen guten Eindruck von der engagierten Art des Vortrages durch Michael Dangl. Er versuchte die Kinder immer wieder durch direkte Ansprache und Befragungen in das Geschehen mit einzubinden. Und die Kinder dankten es ihm mit schlagfertigen und lustigen Antworten auf seine Fragen.

Ein wahrhaft interaktiver Auftritt zwischen den Musikern, dem agilen Erzähler Michael Dangl und den etwa 40 Kindern, die sichtlich angetan waren von diesem abwechslungsreichen Konzertereignis, bei dem Wind und Wetter für versöhnliche Temperaturen im Innenraum des große Zeltbaus sorgten.

Der Hessische Rundfunk war ebenfalls präsent und nahm die Konzerte für sein Rundfunk-Programm auf. 20 Mikrofone wurden sorgfältig auf der Bühne und in der Kissenlandschaft vor der Bühne aufgestellt, um optimal Sprecher, Musiker und Kinder einzufangen. Man darf sich freuen, diese Konzerte bald im Radio hören zu können. Und so mancher Musikfreund, ob jung oder alt, der andere Ereigisse am vergangenen Wochenende rund um Kronberg besucht hatte, bekommt so nachträglich die Gelegengeit, diese Weltpremiere mit einer kleinen Verspätung doch noch zu erleben.

Michael Heinz

Alle sieben Wellen von Daniel Glattauer – bis zum 23. Juni streambar

by hoerspielchen on 16. Juni 2010

Wer das Hörspiel “Gut gegen Nordwind” von Alice Elstner nach dem Buch von Daniel Glattauer gemocht hat, muss eigentlich auch dieses Hörspiel hören. Allen anderen, welche die Geschichte um Emmi und Leo schon irgendwoher kennen, kann ich das diese Inszenierung auch nur uneingeschränkt ans Herz legen. Die Hörspielbearbeitung ist eben nochmal ein ganzes Stück anders, m.E. besser als die Hörbücher. Da kommt hinzu, dass mir Michael Dangl und Eva Herzig (s. Foto) als Hauptakteure besser gefielen, wie auch die Pausen durch Musik. Und irgendwie schreit auch dieses Buch danach, als Hörspiel vertont zu werden. Einfach eine schöne Idee mit tollem Inhalt.

http://ndrkultur.de/feuilleton/hoerspiele/hoerspielallesiebenwellen100.html

Das Hörspiel ist die Fortsetzung einer ungewöhnlichen Liebesgeschichte: der von Emmi Rothner und Leo Leike aus dem Erfolgsroman “Gut gegen Nordwind”. Zwei Menschen, die einander nie gesehen haben, verlieben sich per E-Mail rettungslos ineinander. Die Geschichte von Emmi und Leo und ihrer unerfüllten Liebe geht nun in die zweite Runde. Vielleicht haben die Liebenden ja zumindest eine einzige wirkliche Begegnung verdient und die Hörer eine Chance auf ein anderes Ende? In der radiophonen Fortsetzung des Bestsellers von Daniel Glattauer erfahren wir von Leos Rückkehr aus Boston, von Emmis Eheproblemen und von der “siebenten Welle”, die immer für Überraschungen gut ist.

Hörspielbearbeitung und Regie: Alice Elstner

Mit Eva Herzig, Michael Dangl u. a.

ORF/NDR 2010 ca. 90 Min.

Daniel Glattauer, 1960 in Wien geboren, ist Schriftsteller und Journalist. Bekannt wurde er durch seine unterhaltsamen Kolumnen, Gerichtsreportagen und Feuilletons für die Tageszeitung “Der Standard”, die auch in Buchform erschienen. Mit seinem 2006 erschienenen Roman “Gut gegen Nordwind” gelang ihm ein Bestseller. Der Roman wurde auch als Hörspiel (ORF 2007), Hörbuch und Theaterstück ein großer Erfolg. 2009 erschien “Alle sieben Wellen”.

Gabriel Baryllis Erfolgsstück über die Sehnsucht nach Glück und Verlässlichkeit startete 1988 seinen Siegeszug: Es wurde an über 100 Bühnen gespielt und in mehrere Sprachen übersetzt. Dem Stück folgte der Roman, der schnell zum Bestseller wurde und Gabriel Barylli ein breites Publikum sicherte. Bereits ein Jahr später führte er selbst Regie für die dazu adaptierte Filmversion, die ihm 1991 den Bayerischen Filmpreis einbrachte.

Durch die hervorragende Besetzung (Martin Zauner, Michael Dangl und Alfons Haider) werden die Längen des Stückes um den Zusammenhalt einer Männerfreundschaft in Krisenzeiten gekonnt überspielt.

Martin Zauner begeistert als Schuhgeschäftsbesitzer Peter ("Ich bin ein freier Mann!") und spielt überzeugend den Ehemann, der nach seinen zahlreichen Affären nun nach der Untreue der Ehefrau verlassen wird. Er lässt das Publikum an seinem Gefühlsleben teilhaben und bringt seine Enttäuschung auf das Leben und die Liebe so gekonnt auf die Bühne, dass er für die beiden anderen als optimaler Pointengeber fungiert.

Als Schauspieler und Autor Stefan brilliert Michael Dangl. Die Rolle des in einem Kokon der Zurückgezogenheit lebenden Stefan, den er an einem einzigen Theaterabend durchbricht, wird von ihm hervorragend umgesetzt. Verletzlichkeit und Angst vor Veränderungen werden durch typisch männliche Verhaltensweisen verschleiert.

Als dritter im Bunde zeigt Alfons Haider als Architekt Martin den Mut, sich nach einigen Enttäuschungen wieder auf die Liebe einzulassen. Die aufkeimende Verliebtheit und das Wagnis des Zusammenlebens zwischen Mann und Frau wird von ihm sehr feinfühlig und sensibel dargestellt.

7. August 2008 13:32;  Akt: 17.08.2008 13:34

"Buddenbrooks" in Bregenz gefeiert

Packend, modern, klug: "Buddenbrooks" in Bregenz gefeiert - ©VMH

Bregenz - Die erste Premiere des Theaters in der Josefstadt bei den Bregenzer Festspielen seit 1983 ist gestern, Samstag, Abend vom Publikum im Theater am Kornmarkt euphorisch gefeiert worden.  0 Kommentare

Zurecht, wie man hinzufügen muss: "Buddenbrooks", John von Düffels Bühnenversion der berühmten Familienchronik von Thomas Mann, wurde von Josefstadt- Direktor Herbert Föttinger packend, modern und klug in Szene gesetzt. Gabriel Barylli, Sandra Cervik und Joachim Bißmeyer stechen aus einem äußerst spielfreudigen Ensemble hervor, wie sich ab 25. September auch in Wien überprüfen lässt.

Es war wahrlich allein schon eine Meisterleistung, wie von Düffel den umfangreichen Klassiker für die Bühne auf eine etwa dreistündige Fassung verknappt hat. Dass Föttinger von der Inszenierung am Hamburger Thalia Theater vor drei Jahren angetan war, kann man sich nach dem gestrigen Abend lebhaft vorstellen. Gleich von Beginn an zieht einen die feine Dramatisierung in ihren Bann, in der österreichischen Erstaufführung faszinieren das raffinierte Bühnendesign von Rolf Langenfass und die düster- stimmungsvolle Lichtgestaltung von Emmerich Steigberger. Das Auftaktbild zeigt die Buddenbrooks im Familienkreis auf und hinter dem Ledersofa des altehrwürdig angedeuteten Großbürgerhauses. Der Konsul Buddenbrook (Bißmeyer) mit seiner Frau (Else Ludwig), die drei Kinder Thomas (Barylli), Christian (Michael Dangl) und Tony (Cervik) dahinter, alle in Weiß gekleidet, wie auf einem Familienfoto. Als der schmierige Geschäftsmann Grünlich (Siegfried Walther) zu Besuch kommt, wirkt er in seinem dunklen Anzug schnell als Eindringling in dem vermeintlichen Familienidyll. Und so schnell wird die Familie diesen Eindringling auch nicht mehr los, hat dieser doch ein Auge auf Tony geworfen. Wie durch ein Fotoalbum wird der Zuschauer durch die folgenden Szenen geführt, der Rahmen auf der Bühne ermöglicht stets zwei unabhängige Spielflächen, im Vordergrund wird ein altes Mikrofon immer wieder für kurze Erzählsequenzen genutzt. Grünlich wird in gewisser Weise zum auslösenden Moment des Niedergangs der Buddenbrooks: Dem Traditionsunternehmen der Kaufmannsfamilie geht es nicht gut, und der Geschäftsmann wirkt doch eigentlich wie eine ganz ordentliche Partie: "Man kann von einem Schaf ja auch nicht fünf Beine verlangen." Doch die ungewollte Ehe ist zum Scheitern verurteilt und geht vier Jahre später in die Brüche. Deutlich wird nur das System: Die Familie ist eine Kette mit vielen Gliedern, die alle aneinander hängen. Da müssen auch ungeliebte Opfer zum Wohle des gemeinsamen Ganzen erbracht werden. Als der Papa stirbt, übernimmt Thomas den Betrieb, führt ihn als kühler und egoistischer Patriarch kurzfristig zu neuen Höhen, stößt dabei seine Geschwister vor den Kopf. Doch wie Tony und Christian ist auch das neue Oberhaupt ein Zerrissener zwischen Tradition, Macht, Individualität und Familie. Nach der Pause gibt es kein gemeinsames Ledersofa mehr, sondern nur mehr zwei getrennte Lederfauteuils auf jeder Seite der Bühne. Das Motto lautet "Kontenance wahren", eine tickende Uhr deutet im Hintergrund den unerbittlich langsamen, aber stetigen und unaufhaltsamen Verfall der Familie an. Der Ton wird lauter und rauer, die Bilder werden dunkler, die Strukturen zerbrechen. Schließlich ärgert sich Thomas über seinen schwächlichen Sohn, der noch weniger mit der Macht seines Übervaters umgehen kann als er selbst - und muss sich dabei seine eigene Schwäche eingestehen. Die starke Schlussszene kulminierte gestern in tosendem Applaus und lauten Bravo- Rufen, die überragenden Darsteller - allen voran der nahezu entmenschlichte Gabriel Barylli, die wandlungsfähige Sandra Cervik und der überzeugend hypochondrische Michael Dangl - durften sich ebenso wie Föttinger über ein gelungenes Gastspiel in Bregenz freuen. Nach weiteren drei Vorstellungen bei den Festspielen feiern die "Buddenbrooks" am 25. September ihre Wien- Premiere. Und im Dezember gibt es noch eine Möglichkeit zum Eintauchen in die Familienchronik: Heinrich Breloer, der schon "Die Manns - Ein Jahrhundertroman" verfilmte, bringt "Die Buddenbrooks" mit Armin Mueller- Stahl, Iris Berben, Jessica Schwarz und August Diehl ins Kino. (S E R V I C E - "Buddenbrooks" von John von Düffel nach Thomas Mann; Inszenierung: Herbert Föttinger, Bühnenbild und Kostüme: Rolf Langenfass, Musik: Christian Brandauer, Dramaturgie: Ulrike Zemme, Licht: Emmerich Steigberger

Ein Fest für Otti

von Thomas Askan Vierich

Wien, 10. Juni 2010. Am Ende regnete es rote Rosen auf den unumstrittenen Star des Abends Otto Schenk, den alle "Otti" nannten. Herbert Föttinger, der Direktor des Theaters in der Josefstadt, erklärte ihn zum "Theatergiganten", der Kulturstadtrat Mailath-Pokorny zum "Bürger der Stadt Wien". Was natürlich ein Scherz war. Der "Theatergigant" wohl eher nicht. Rudolf Buchbinder brachte dem Geburtstagskind ein Ständchen am Piano, "Rigoletto" in der Bearbeitung von Franz Liszt.

Das Publikum spendete "seinem" Otto Schenk stehend Applaus. Schenk spielte in der Josefstadt in fast sechzig Jahren immerhin 69 Rollen. Er hat hier 29 Stücke inszeniert. Neun Jahre war er sogar Direktor. In diesem Moment war die Josefstadt ganz bei sich, feierte ihren Weltstar und sich selbst. Viele der Premierenbesucher dürften nicht viel jünger als das Geburtstagskind gewesen sein.

Immer zu laut, immer mehr Applaus

Was vorher gegeben wurde, war nicht ganz so stimmig - aber dank guter Schauspieler, allen voran Otto Schenk, zumindest unterhaltsam. Ein Schelm, wer mehr von diesem Abend erwartet hatte. Klaus Pohl, der schon seit 2000 mit Otto Schenk zusammenarbeitet, hat dem Meister ein Stück auf den Leib geschrieben: Karl Meier war mal ein berühmter Dirigent mit hohen Qualitätsansprüchen. Als er während einer Aufführung an der Staatsoper mit der Leistung seines Orchesters nicht zufrieden war, ließ er die Aufführung abbrechen und fing noch einmal von vorn an. Ein Skandal, der zu seinem sofortigen Rausschmiss führte.

Seitdem ist der Maestro dem Alkohol verfallen und lebt unter einer Autobahnbrücke, wo er ein imaginäres Orchester dirigiert. "Immer zu laut", murmelt er. "Ich höre ewig Musik, die keiner spielen kann." Etwas Trost findet er an der nahen Würstelbude. Aber der Inhaber will ihm keinen Schnaps mehr verkaufen, nur eine Burenwurst. "A Wurscht is nix gegen an Durst", murrt Schenk. Es macht Spaß dem bekennenden Musikaficionado, der an allen großen Opernhäusern dieser Welt inszeniert hat, als Sandler beim Brambasieren über das Leben und die Musik, speziell die Oper, zuzuhören.

Zündende Bonmots, kleine Lästereien

Dann wird der Tod einer berühmten Sängerin verkündet, der Meier einmal sehr zugetan war und mit der er gemeinsam legendäre Konzerte gegeben hatte. Die Verstorbene hat verfügt, der Maestro möge ihr Abschiedskonzert dirigieren. Ein Impresario (Gideon Singer) wittert das große Geschäft, ebenso die Verlobte (Therese Lohner) des Sohnes der Verstorbenen (Michael Dangl). Nur der ist dagegen. Er ist erfolgloser Komponist und möchte endlich aus dem Schatten seiner Mutter heraustreten und den Abend selbst dirigieren. Man redet es ihm aus und findet den Sandler, der sich zunächst auch weigert wieder den Stab zu schwingen. Doch die schönen Augen der Verlobten überzeugen ihn, und er setzt sich mit dem Sohn zusammen, um ein wenig zu üben.

Das gibt weitere Gelegenheiten für Otto Schenk. über den Musikbetrieb zu lästern: "Die Musikindustrie ist eine Verletzungsmaschine!", tönt er. Das hätte auch von Thomas Bernhard sein können. Der Sohn wirft ihm vor, sich zu drücken: "Er kann es noch und tut es nicht. Das ist eine Schweinerei!" Er selbst würde gerne, kann aber nicht: "In meiner Brust ist ein riesiger Anspruchskasten, der wird immer größer und erstickt mich!" Aber für ein paar angespielte Gassenhauer aus dem Repertoire der sogenannten ernsten Musik reicht es noch. Michael Dangl kann am Klavier beweisen, dass er nicht nur ein prächtiger Schauspieler ist, der es mit dem "Theatergiganten" Schenk locker aufnehmen kann, sondern auch ein versierter Musiker. Was er da spielte, war live!

Aber wo steckt der theatralische Dreh?
So plätschert der Abend musikalisch begleitet vor sich hin. Schenk darf noch weitere Boshaftigkeiten von sich geben wie "Nur Dilettanten haben Spaß bei der Arbeit" oder "Wer übt, hat's nötig". Doch die Aneinanderreihung noch so treffender Bonmots ergibt noch keine Dramatik. Hier liegt der große Schwachpunkt des Abends. Nachdem man den unwilligen Maestro überreden konnte, läuft eigentlich alles glatt dem erwartbaren Ende zu: Meier dirigiert das Abschiedskonzert und alle sind zufrieden. Wer eine Pointe, irgendeinen theatralischen Dreh erwartet hatte, wird enttäuscht. Aber die meisten hatten wohl gar nicht mehr erwartet. Ihnen genügt, wenn Schenk den Papageno mimt. Dazu braucht er nur ein paar angedeutete Handbewegungen und Tanzschritte. Das ist schon großartig. Aber es ist kein Theater, eher Kabarett.

Weniger großartig war die Aneinanderreihung von Klischees zum Geniekult. Die Figur des gefallenen Dirigentenstars bezog deutliche Anleihen bei Beethoven, ohne dass man Otto Schenk in dieser Rolle das Genialische wirklich abnahm. Auch nicht, als er dämonisch von unten beleuchtet so tat, als würde er die Ouvertüre aus "Coriolan" von Beethoven dirigieren. Das war dann noch nicht einmal gutes Kabarett. Aber sei's drum: Wir sind an der Josefstadt, da hängen die künstlerischen Ansprüche nicht ganz so hoch wie anderswo. Unterhaltsam war es allemal und dank Michael Dangl auch keine reine One-Man-Show für Otto Schenk.

Einmal noch (UA)
von Klaus Pohl
Regie: Klaus Pohl, Bühnenbild und Kostüme: Rolf Langenfass, Licht: Manfred Grohs.
Mit: Otto Schenk, Michael Dangl, Therese Lohner, Gideon Singer, Peter Moucka, Eva Mayer.

Oper und Literatur
Kulturgenuss im umgebauten Kuhstall
Erschienen in „Neue Osnabrücker Zeitung“, 18. Juni 2009

Rödinghausen (maka). (…) 400 Besucher waren auf Gut Böckel, um in stimmungsvoller Atmosphäre kulturelle Höhepunkte zu erleben. Die tschechische Mezzosopranistin Magdalena Kozená singt sonst in den großen Häusern dieser Welt. Sie im restaurierten Kuhstall auf Gut Böckel hautnah erleben zu dürfen war für viele Besucher Grund genug, von weit her anzureisen. (…) Rainer Maria Rilke, der 1917 auf Einladung Hertha Koenigs nach Böckel kam, war Bewunderer Michelangelos und übersetzte dessen Sonette nicht nur, sonder dichtete sie nach. Der österreichische Schauspieler Michael Dangl gab ihnen mit großer Vortragskunst Leben. (…) Ein begeistertes Publikum dankte mit Standig Ovations für die zu Herzen gehende musikalisch-literarische Reise von Russland nach Italien.

Musikalische Sternstunden
Erschienen in „Westfalen-Blatt“, 13. Juni 2009

Rödinghausen (BZ). Kann es sein, dass mehrere Hundert Menschen gebannt den Sonetten Michelangelos lauschen? Bei "Wege durch das Land" ist alles möglich. Selbst vermeintlich sperrige Texte finden ihr Publikum. Seit zehn Jahren macht das Festival regelmäßig Station auf Gut Böckel in Bieren. (…) Michael Dangl, der österreichische Schauspieler, gab den Sonetten Leben, drang zu ihrem Kern vor, die auch von Michelangelos Arbeitsweise erzählen und von seinem Gottesverständnis. (…) Der melancholische Grundton wird zu einem ruhigen, lyrischen Fluss der Wörter, deren Schönheit sich durch die Stimme Michael Dangls entfaltet. (…) Die tschechische Mezzosopranistin Magdalena Kozená singt in den großen Häusern dieser Welt. Sie, den großen Star der Opernwelt, im Kuhstall auf Gut Böckel zu erleben, war für viele Besucher Grund genug, von weither zu kommen. Kozenás Timbre ist wirklich atemberaubend, sie macht jedes der italienischen Lieder aus dem 16. Jahrhundert zu einer musikalischen Sternstunde. (…) Ihr Konzert ist ein unvergessliches Erlebnis. Kongenial begleitet wird sie dabei vom internationalen Ensemble "Private Musicke". (…) "Ich lebe aus dem Mond, du aus der Sonne" heißt ein Gedichtzyklus der russischen Autorin Anna Achmatowa (1899–1966). Die Schauspielerin Sybille Canonica sprach zunächst über das schicksalhafte Leben der Autorin (…). In der Interpretation der Gedichte ließ Sybille Canonica die Zerrissenheit Achmatowas und ihren lakonischen, oft knappen Stil spürbar werden. (…) auf Gut Böckel ist im Pferdestall ein Kinderprogramm hinzugekommen. Die Eltern gaben ihre Sprößlinge ab, die dort mehrere Stunden lang betreut wurden. (…) Zu Besuch kamen Schauspieler Michael Dangl, der mit den Kindern las und spielte und Geschichten vom lieben Gott erzählte, sowie vier Musiker von "Private Musicke", die den Kindern einige Lieder spielten.

deutschlandfunk
 

O-Ton Michael Dangl: ‹Und da sieht man, dass sich da vieles trifft – dass da zwei große Schaffende und Einsame in ihrem Werk sich getroffen haben und dass der Rilke […] eine Nachdichtung und Übersetzung ist eigentlich zu wenig gesagt: Er hat das so neu empfunden und in seinen Worten seiner Sprache gesagt. Und das zu erspüren und den Leuten zu vermitteln im Vortrag – das ist eine schöne Aufgabe›. Den Bezug zu den Liebes-Sonetten Michelangelos wiederum stellt Magdalena Kožená her: Die tschechische Mezzosopranistin hat frühbarocke Liebeslieder aus Italien mitgebracht – singt, seufzt, zürnt und schmachtet in ihnen, dass es eine Lust ist.
Ursula Böhmer
13. Juli 2009

      WDR 3
MOSAIK  

Auch für die Kinder ist gesorgt auf Gut Böckel: Während sich die Erwachsenen in der Pause im früheren Kornhaus am Buffet stärken, liest Michael Dangl im Pferdestall den Kindern vor. Auch hier ist es eine von Rilkes ‹Geschichten vom lieben Gott›, bei der Dangl zur Veranschaulichung einen Fingerhut seiner Mutter herumgehen lässt. Eine gelungene literarische Zusammenstellung, zumal sich Alt und Jung auf dem Nachhauseweg über ihre unterschiedlichen Erfahrungen mit Rilke austauschen können.
Ursula Böhmer
16. Juni 2009

Karl Meier, ehemaliger Stardirigent, hat der Bühne schon seit Jahren den Rücken zugekehrt. Mit einem Paukenschlag hatte er das Podium verlassen, weil die Leistung des Orchesters seinen Ansprüchen nicht gerecht werden konnte. Nun lebt er auf der Straße und ist obendrein auch dem Alkohol verfallen. Als eine berühmte Sängerin stirbt, die unter seiner Leitung traumhafte Aufführungen gesungen hatte, beginnt die fieberhafte Suche nach dem verschollenen Genie Meier, der das Abschiedskonzert bei ihrer Trauerfeier dirigieren soll.

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